Coherence (2013)

•19 abril 2015 • Dejar un comentario
Copyright © Gregorio Pérez Saavedra

Realmente Magnífica

Original e interesantísima propuesta del debutante en el largo James Ward Byrkit. Coherence es una película de ciencia ficción de la buena, como al monstruo le gusta decir. Es decir, una película en la que no son los efectos especiales los que se llevan el protagonismo sino el ingenioso argumento, que partiendo de alguna base científica sabe estrujarla, retorcerla para construir una trama llena de posibilidades que sirve para reflexionar sobre la propia naturaleza del ser humano. En este sentido el monstruo la emparenta con Primer. Aunque Primer es bastante más compleja, Coherence es suficientemente desconcertante en gran parte de su metraje como para aparecer en la lista del monstruo de películas “rompecabezas”.

 coherence-poster

Interesantes carteles de Coherence

Al igual que en otras entradas, el monstruo no va a contar nada sobre el argumento de la película, sólo decir que está interpretada por ocho actores (que parece ser que improvisaban bastante porque no había guión, sólo tenían algunas directrices sobre su personaje) que lo hacen fenomental y que está rodada con muy poco dinero (ningún problema teniendo una buena idea).

Emily Baldoni interpreta el personaje de Em

Coherence, una película para disfrutarla. Toda una alegría para los espectadores inteligentes que no van al cine a que se lo den todo mascado. ¡Déjate sorprender!

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Vals con Bashir (2008)

•13 abril 2015 • Dejar un comentario
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Realmente Magnífica

Impactante película de animación dirigida por el israelí Ari Folman. Se trata de una película biográfica en la que Folman busca reconstruir su memoria sobre la guerra del Líbano y, más concretamente, sobre la masacre de Sabra y Chatila de la que fue testigo presencial. La película arranca con una trepidante escena de una manada de perros rabiosos, pesadilla que le cuenta un amigo a Folman, y su explicación. En tan sólo 5 minutos Vals con Bashir dejó al monstruo sobrecogido.

Mediante diversas entrevistas con compañeros que estuvieron en Beirut en aquella época, Folman va hilando una película que bien podríamos llamar el Apocalipsis Now de la animación. Relatos sinceros en los que se mezcla la poesía con lo absurdo, el horror con la belleza, la psicología con el miedo. Técnicamente la animación es original y sublime. La película está repleta de momentos de gran impacto visual y emocional, que quedaron grabados a fuego en el corazón del monstruo.

Los recuerdos de Folman

Una grandísima película injustamente desconocida por el público en general. Una magnífica reflexión sobre los mecanismos de la memoria y una exposición descarnada de la brutalidad y el horror de una guerra a través de los relatos de sus actores. Una película tan dura como necesaria. Gracias, Ari Folman.

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Magical Girl (2014)

•19 marzo 2015 • 1 comentario
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Realmente Magnífica

Para el monstruo, lo mejor del cine español en bastantes años. Segunda película dirigida por Carlos Vermut y primera en estrenarse en salas comerciales (su primera película, Diamond Flash, quedó limitada a Internet). Magical Girl es de esas películas que hacen recuperar la fe en el cine.

Difícil hablar del argumento de esta película sin contar de más, así que el monstruo no lo va a hacer, que el espectador la vaya descubriendo a su tiempo. En ella, los tres protagonistas están fabulosos: Luis Bermejo, Bárbara Lennie y José Sacristán. Serán sus acciones, más que sus diálogos lo que nos ayude a construir sus personajes e ir encajando las piezas del puzzle que propone Vermut. Destacar lo sólido del guión donde hay multitud de metáforas, símbolos, reflexiones que cruzan transversalmente y tocan a los personajes. Sirva como ejemplo este cartel, que el monstruo te invita a que mires de nuevo después de ver la película, descubrirás cosas.

Mire este cartel, vea Magical Girl, y luego vuelva a mirarlo

Es este tipo inteligente y sutil de referencias lo que hace grande a Magical Girl. Naturalmente lo milimétrico del guión también queda en las imágenes, rodadas con un cuidado y un detallismo exquisito. Aquí Carlos Vermut hace un manejo constante de la elipsis realmente magistral, disparando la imaginación de los espectadores que comprenden lo que ven, pero que se van preguntando por lo que no ven y acaban completando (cada espectador con su teoría particular) la personalidad de los personajes para explicar el fascinante final del film.

Bárbara Lennie borda uno de los personajes más complejos del cine español

Magical Girl, con sus complejos personajes y sólida trama, toca temas como el poder, la necesidad, la mentira, la dependencia, la moral, el azar, el carácter, la identidad, la pasión, la razón. Hay Kubrick, Buñuel, hermanos Coen, KieslowskiMagical Girl quizá no sea lo que necesitan las salas de cine para hacer grandes taquillas, pero sí debería marcar el camino de un nuevo cine español sin ningún tipo de atadura ni complejo.

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Maya Deren (1917-1961)

•17 octubre 2014 • Dejar un comentario
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Maya Deren nació en Ucrania aunque realizó su cine en Estados Unidos, allá por los años 40. El monstruo debe reconocer que no conocía el trabajo de esta mujer hasta hace un par de días. Su nombre no suele figurar es las historias del cine al uso, pero debería. Gracias a internet el monstruo, no sólo ha podido descubrir a esta gran creadora, sino ver su cine. En youtube podéis encontrar fácilmente su obra.

Maya Deren es considerada la primera directoria del cine underground estadounidense: una corriente que se oponía a los cauces por los que Hollywood estaba llevando el cine. En el cine de Maya Deren se respira esa libertad creativa y ese gusto por la experimentación que tanto se echa en falta en el cine comercial (el de antes y no digamos el de ahora).

Fotograma de "At Land"

Entre sus títulos más destacados tenemos “Meshes of the Afternoon” y “At land”, ambos cortometrajes mudos (orquestados posteriormente por su tercer marido) y realizados de manera independiente. Maya crea un lenguaje propio en el que rompe con el espacio y el tiempo, en el que el aspecto visual recobra el protagonismo frente a la narración. En su trabajo gusta de buscar nuevos puntos de vista para sus encuadres, usar técnicas como la cámara lenta, el stop motion o la marcha atrás, abandonar los cauces narrativos convencionales para llevar al espectador a un mundo en el que la realidad se confunde con el sueño, un mundo lleno de símbolos y de poesía, donde las sensaciones son más importantes que los hechos. Y es que Maya no sólo tenía gusto por el cine experimental, también por la danza, la poesía, la psicología e incluso el voodoo. Todo esos aspectos están definidos en su obra.

Fotograma de "Meshes of the afternoon"

Desde estas líneas el monstruo ha querido poner su granito de arena en rescatar a esta mujer. Maya Deren nunca pretendió llenar las salas de cine, pero sí llenar los museos. En una de sus célebres frases definió a Hollywood como el gran obstáculo para que el cine se desarrolle como forma de arte creativo. Razón no le falta. ¡Un aplauso para esta valiente creadora!

Copyright del Texto © Gregorio Pérez Saavedra

Empire (1964)

•13 julio 2014 • Dejar un comentario
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Largometraje (nunca mejor dicho) mudo realizado por Andy Warhol, el artista pop, que hizo unas curiosas incursiones en el mundo del cine. Se trata de un plano fijo del Empire State con una duración de 8 horas y cinco minutos.

Andy Warhol rodó esta película entre los días 25 y 26 de Julio de 1964. Precisamente este mes se cumple el 50 aniversario de la misma. Efeméride que no ha pasado desapercibida y que se va a celebrar con proyecciones de la película y material relacionado. Si os pilla por ahí cerca, seguro que es interesante: Empire at 50.

Ésta es una de las películas que el monstruo saca a relucir frecuentemente en conversaciones con amigos y cinéfilos varios. Que una película de 8 horas se llegara a estrenar en cines ya llama la atención, pero más llama cuando se sabe que la película es simplemente un plano fijo de un edificio grabado con una cámara de 16mm, eso sí, por un genio como Warhol. Por lo visto Warhol rodó 6 horas y media de material, pero dio instrucciones de proyectar la película a 16fps en lugar de a 24fps para llegar a esas 8 horas, seguramente buscando que la película durara lo que para muchos es una jornada laboral.

¿Qué es Empire? ¿Una reflexión sobre el paso del tiempo? ¿Un delicado estudio sobre la belleza de la luz? ¿Un buscado símbolo? ¿Una puerta a la consciencia de uno mismo? ¿Un aburrimiento total? ¿Una broma al mundo del arte? Quizá todo eso y mucho más. El monstruo no ha visto Empire (reconoce haber pasado más tiempo leyendo sobre ella que intentando verla), así que no va a cometer la imprudencia de hacer crítica sobre ella, simplemente quiere darla a conocer. Si alguien se anima a verla le resultará muy complicado, salvo que acceda a la versión reducida de una hora que se editó en dvd y que, seguramente, no ofrezca la misma experiencia.

En cualquier caso, Warhol creó un hito del séptimo arte, esta película merecería una mención en toda historia del cine que se precie ¿no creéis?

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The National

•12 abril 2013 • Dejar un comentario
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Hará un par de años, cuando el monstruo miraba por curiosidad las típicas listas de los mejores discos del año, en los no tan típicos blogs de música independiente, que se encontró con este grupo. El disco en cuestión era High Violet. El monstruo comenzó a escucharlo y quedó gratamente sorprendido. Luego vino el ir descubriendo todos sus discos anteriores, también de una calidad indudable. A los magníficos temas de High Violet, como Terrible Love, England o Bloodbuzz Ohio, se les unían otros como Apartment Story, Fake Empire, Abel, All the Wine, Available... conformando un universo muy particular. Además, interesantes trabajos para bandas sonoras de videojuegos, series de televisión y películas.

The National es una banda americana que está compuesta por Matt Berninger, su vocalista de voz profunda, los hermanos Dessner y los hermanos Devendorf. Este quinteto parece formar un pequeño grupo de amigos bien avenidos y con las ideas claras, por lo que el monstruo ha podido ver en los múltiples videos que de ellos hay por internet, dentro y fuera de los escenarios. Por cierto, Tom Berninger, hermano de Matt, va a lanzar un documental, Mistaken for Strangers, sobre la grabación de High Violet, todo un acontecimiento para los seguidores de esta banda.

Hace unos días el monstruo ya pudo disfrutar del primer single, Demons, del próximo disco de The National que se lanzará a mediados de Mayo, Trouble Will Find Me. Ojalá tenga la calidad de los anteriores. La gira de este disco traerá a The National a Madrid. Precisamente hoy han salido las entradas a la venta. El monstruo ya tiene la suya, será en Noviembre cuando podremos disfrutar del irregular directo de estos chicos.

Sí, hará un par de años que el monstruo descubrió a esta banda, desde entonces no puede decir que sea un grupo al que vuelve de cuando en cuando, no. En realidad The National es un grupo que se ha quedado en un rincón de la existencia del monstruo, ya es parte de él.

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Joe Hisaishi, un genio de la música

•22 noviembre 2012 • Dejar un comentario
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Hace unos días, en la maraña de internet, el monstruo dio por casualidad con un espectacular concierto protagonizado por Joe Hisaishi. Este hombre es un viejo conocido para el monstruo, compositor japonés que firma gran parte de las bandas sonoras del maravilloso Estudio Ghibli. Hisaishi ha conseguido con maestría orquestar las grandes películas de Hayao Miyazaki: Mi Vecino Totoro, La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro…, su música casa a la perfección con los particulares escenarios y personajes de Miyazaki.

Pero fue escuchando este concierto cuando el monstruo se dio cuenta de que Hisaishi es uno de los grandes, un auténtico genio de la música de cine. Con una inmensa orquesta a su cargo y su querido piano, Hisaishi logra conmover con sus melodías llenas de majestuosidad, melancolía, alegría,… Este concierto se celebró en Budokan con motivo del 25 aniversario de los Estudios Ghibli. Basta de palabras y disfrutemos de una muestra. Banda sonora de Nausicaa, con uno de los planos finales más emocionantes de la historia de la animación (lástima los que se lo pierden por no ver los títulos de crédito). ¡Qué ambiente crea con la introducción! En algunos momentos Hisaishi parece fijarse más en el monitor que le proyecta la animación, que en la propia partitura. Y ese piano es magia. Para el monstruo su mejor banda sonora, aunque no sea de las más conocidas. Subid el volumen y prestad atención.

Además de las bandas sonoras para las películas de Miyazaki, también ha colaborado en numerosas ocasiones con otro de los grandes directores japoneses, Takeshi Kitano. Particularmente emotivo es su trabajo para la película El Verano de Kikujiro.

Pero Hisaishi no se limita a sus más de 100 trabajos para el cine, también acumula albumes de estudio, entre ellos sus “Piano Stories”. El monstruo no puede quitarse de la cabeza este tremenda pieza, ejemplo de la incursión de Hisaishi en la música contemporánea.

Joe Hisaishi, un genio de la música. Disfrutadlo.

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